Мистецтво XX століття в весняно-літніх колекціях
У ПОСТІЙНОЇ РУБРИЦІ WONDERZINE розповідає про тенденції з подіуму, які можна адаптувати для свого гардероба на найближчі півроку. У цьому випуску ми розбираємося з найяскравішою тенденцією сезону - мистецтвом, - з'явилася в весняно-літніх колекціях дизайнерів від Prada до Prabal Gurung.
З чого все почалося
Ідеї світу мистецтва завжди впливали на дизайн одягу і тканин. У 20-і роки на моду впливали авангард і фовістів на чолі з Анрі Матиссом, що можна простежити в одязі Поля Пуаре. Мадлен Вионне захоплювалася кубізмом і використовувала геометричні форми і лінії в одязі, а логотип для її будинку Vionnet розробив художник-футурист Ернесто таять. У 30-е прийшло захоплення сюрреалізмом. Ельза Скіапареллі створювала гудзики у вигляді льодяників і арахісу і дружила з Сальвадором Далі і Жаном Кокто, показуючи то шовкове плаття з лобстерами, то жакет, на якому була зображена жінка, чиї довге волосся стікали по рукаву, а руки обвивали талію. Ці та інші ідеї ще не раз виникнуть у сучасних дизайнерів, в тому числі російських (згадайте колекцію Олександра Терехова осінь-зима - 2013).
50-е і 60-е роки стали часом, коли мода, музика і мистецтво переплелися, а поява кольорового телебачення завершило прорив візуальної культури. Паралельно сформувалася культура споживання, тиражування і мас-маркет - все, що не склала своїх позицій до сих пір. Молодь хлинула в творчі коледжі та університети, а в Лондоні і Нью-Йорку стало модно бути дизайнером, фотографом, моделлю, графічним або модним дизайнером (і так і не перестало). Дизайнери перекваліфікувалися в рок-зірок (наприклад, Піт Таунсенд з The Who або Кіт Річардс з The Rolling Stones), а афіші концертів і обкладинки альбомів малювали художники - так мистецтво з'явилося на кожному ліхтарному стовпі.
Імена поп-арт-художників знають всі: Річард Гамільтон, Рой Ліхтенштейн, Енді Уорхол - вони першими відрефлексувати суспільство споживання і масову культуру, зображуючи те, що цікавить людей тут і зараз (реклама, телебачення, товари з магазинів). Батьком поп-арту вважається британець Річард Гамільтон, який створив найперший і найвідоміший колаж "Так що ж робить наші сьогоднішні будинки такими різними, такими привабливими?" в 1956 році. Рой Ліхтенштейн експериментував з образами коміксів і мультфільмів. Енді Уорхол, перш ніж стати художником, попрацював ілюстратором, здається, у всіх модних редакціях Нью-Йорка, обзавівся потрібними зв'язками і дав зелене світло змішання жанрів. Джон Кейл з підшефних Уорхолу The Velvet Underground був одружений на фешн-дизайнера Бетсі Джонсон, яка недавно у віці 72 років відновила виробництво одягу. У той час Бетсі створювала забавні сукні-футболки під маркою Youthquake і працювала в одному з головних нью-йоркських магазинів того часу - Paraphernalia на Медісон-авеню, який співпрацював з Еді Седжвік і Уорхолом, а той, у свою чергу, для магазину розписував паперові міні-сукні і сумки-шопери (в моду тоді увійшла одноразовий одяг).
Саме під час розквіту поп-арту в 60-і роки з'явилася необхідність в дешевому і швидкому дизайні - магазини швидко реагували на запити людей. Наприклад, магазин Biba на Abingdon Road оновлював свої колекції кожного тижня - це прийом, який зараз успішно експлуатує мас-маркет. Твіггі писала: "Все виходило з моди так само швидко, як і приходило. Однак приваблювало тільки сучасне, відштовхувало все старе".
Ігнорувати поп-арт було неможливо. Ів Сен-Лоран придумав у відповідь трикотажні сукні з аплікаціями у вигляді сердець, жіночих профілів, а також губ, які недавно інтерпретував Еді Сліман. Після колекції Сен-Лорана "Мондріан" в 1965-му Стівен Уіллатс створив схоже плаття "Мінливі листи", але тільки з новомодного вінілу. З вінілом експериментував і П'єр Карден, а Рой Хальстон створив сукні з "Квітами" Уорхола 1964 року народження, які процитує Міучча Прада в весняно-літньої колекції 2013 року.
У 1980-ті роки художник Кіт Харинг, відомий своїми поп-арт-графіті, відкриє в Нью-Йорку Pop Shop, де буде продавати футболки зі своїми роботами. З роботами Харінга в 80-е буде працювати і Вів'єн Вествуд в колекції "Відьми", де британка відтворить роботи художника фарбами, що світяться, а сьогодні роботи Харінга на футболки завдає марка Uniqlo, яка до того ж випустила колаборації з Нью-Йоркським музеєм сучасного мистецтва. У 1991 році поп-арт знову проявить себе: італієць Джанні Версаче створить обтягуючі сукні в підлогу з принтом з трафаретних кислотних осіб Мерилін Монро і Джеймса Діна, віддавши данину Енді Уорхолу. Доповненням до непоєднувані кольори сукні стане бюст'є в стилі showgirl, декороване стразами і аплікаціями з тканини. У цій сукні з'явиться молода Наомі Кемпбелл, а президент Condé Nast Ніколас Коулрідж відзначить, що клієнтка Versace необтяжена "високоморальні".
Як носити речі, натхненні мистецтвом, зараз
Дизайнери вже не перший сезон озираються на мистецтво, то завдаючи на одяг принти-репродукції відомих майстрів (тут найчастіше цитують Босха і Гогена), то співпрацюючи з сучасними художниками. Однак в цьому сезоні помітний акцент був зроблений на поп-арті, хоча без Гогена не обійшлося (його репродукції ми побачили на показі Aquilano.Rimondi і в кутюрної колекції Maison Martin Margiela). З 60-ми і поп-артом сучасну моду ріднить і коммерціалізірованность моди і мистецтва. Найбільш яскравим проявом поп-арту стала колекція Prada - Міучча Прада переосмислила роботи сучасних і вуличних художників: П'єра Морне, Jeanne Detallante, Stinkfish, Габріеля Спектра і інших. Крім того, популярність прийшла до кількох маркам, які виробляють ошатні клатчі: Sarah's Bag показують роботи Роя Ліхтенштенйна, Yazbukey створюють яскраві клатчі у вигляді пачки сигарет або зубної пасти, британка Lulu Guinness - у вигляді губ. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott і Ashish на поп-арті собаку з'їли: тут вам і Coca-Cola, і принт у вигляді профілактики на телебаченні.
Крім того, Джеремі Скотт в колекції вже майбутнього сезону для Moschino, показуючи сукні-обгортки, цитує перші речі, створені для реклами в 1956 році, а саме сукні та спідниці довжини міді Martini Label, прикрашені повністю логотипами бренду, які носили перші фанати рок- н-ролу за безкоштовні фестивальні напої. Крістофер Кейн створює спідниці з принтом у вигляді розтиражованих квітів, нагадуючи роботи 60-х. Раф Сімонс для Christian Dior використовує прийом поп-арту - логоманію. Missoni надихаються японськими коміксами. Kenzo цитують сучасну графіку і штрихи-начерки олівцями. Prabal Gurung створюють омаж Мерилін Монро. Preen наносять на сукні абстракцію.
Відразу кілька марок надихнулися абстрактним експресіонізмом, в першу чергу роботами Джексона Поллока і Марка Ротко. Лагерфельд в колекції Chanel завдав на одяг принти у вигляді яскравих бризок фарби, а простір показу прикрасив 75 творами мистецтва з символами будинку Chanel; картини, скульптури та інсталяції після показу були перенесені в Гран-Пале в Парижі. Жиль Зандер перед своїм відходом з будинку Jil Sander в свою останню монохромну весняно-літню колекцію також включила кілька луків з абстрактними принтами. Фібі Файло випустила колекцію Сéline, здається, до пари фовізму і великий виставці "Henri Matisse: The Cut-Outs ", яка йде в Тейт Модерн до вересня. Навіть Calvin Klein включає в показ один цибулю з абстрактними принтами.
Як каже британський дизайнер Джонатан Андерсон, який показує некомерційні колекції, над якими довго розмірковують критики: "Для мене мода ніколи не була формою мистецтва. Не можна порівнювати художника і дизайнера. І мода, і мистецтво комерціалізовані сьогодні". Різниця в тому, що мистецтво не потрапляє на розпродажі, а навпаки, з роками зростає в ціні, а ось в музей моди потрапляє рідкісне плаття.
Остерігайтесь!
Невеликі демократичні бренди давно люблять використовувати мистецтво в комерційних цілях, але зазвичай роблять це лобовим способом. Остерігайтеся сумнівних світшоти або сумок з репродукціями Босха, Ван Гога або банкою супу "Campbell". Якщо ви не готові платити за роботу великого художника на дорогий спідниці, краще вибрати речі з абстрактними принтами - такі є, наприклад, в колекції Zara. Вдалою покупкою стане річ з колаборації з сучасними художниками. І пам'ятайте головне - незвичайні речі вимагають акуратної експлуатації: комбінуйте їх з чимось мінімалістичним, а гіпертрофовану ексцентричність залиште Жанні Агузарової і Андрію Бартеневу.
фотографії: Tate Modern, Getty Images (4)